Натюрморт , в отличие от портретной и пейзажной живописи, имеет корни, уходящие в далекое Возрождение. Еще в XV-XVI веках первые предпосылки к зарождению натюрморта, как отдельного вида живописи, встречались в полотнах с исторической и жанровой тематикой. Если тот кусок изображения неодушевленного предмета был лишь составляющей мозаики всей работы, то современный натюрморт является совершенно самостоятельной темой и, более того, имеет несколько направлений.
Этот отрытый кусок реальности должен был быть приятным для глаз. Он должен наслаждаться, но также поощрять размышления. Голландский образ, полный символов и аллегорий, не был «тихим», «все еще» или «мертвым», покрытым запиской таинственности. Напротив, он стал живым существом, которое ведет диалог с окружающим миром.
Голландский ватиты семнадцатого века из ванитов возглавляли ум до финала. Это было продолжение и развитие средневековых «танцев смерти», которые и бедные, и богатые берут в свой круг. Со временем тема смерти начала проявляться в другом тоне: страшные или ужасные композиции заменяли символы - атрибуты смерти одного и того же сообщения.
Начиная с XVII века, когда фламандская и голландская школы диктовали свои правила в искусстве, натюрморт окончательно занял достойную нишу в мире живописи. Тот период славился аллегоричностью изображения знакомых и простых предметов, собранных на плоскости. Однако, несмотря на стремление художников Классицизма объединить плошки и тарелки воедино с религиозным подтекстом или темой бытия, простое повествование красоты цветов, фруктов, дичи и королевской кухонной утвари взяло со временем верх. Питер Клас, Виллем Хеда, Виллем Кальф и Абрахам ван Бейерен - нидерландские мастера, которые раскрыли красоту постановочных работ и сделали натюрморт модным приобретением для знатных особ. Работы периода XVII века были выделены в самостоятельное направление натюрморта с названием «Нидерландский». Его характерными чертами были темный, приглушенный фон и контрастный первый план с атрибутами трапезы или только что собранных цветов. Кроме того, Хеда включал в свои постановки стеклянные прозрачные предметы и черепа, как, например, в натюрморте на аллегорическую тему. Картины были вкусными и живыми. Каждая из них носила не менее колоритное название, чем само изображение - «Натюрморт с тортом», «Завтрак с крабом», «Натюрморт, с чайником» и т.д.
Голландские ваниты ввели череп, песочные часы и часы, зажгли свечи, раковины, как намек на черепа. Вырезанные цветы были также полностью расцвечены, как напоминание о том, что «Человек, рожденный женщиной коротких дней, полна неприятностей; растет как цветок и иногда подрезается». Когда мы смотрим на голландский букет цветов, мы видим насекомое, которое кусает лист. Это также сдержанное напоминание о том, что все прекрасное исчезает и неизбежно ждет нас, чтобы умереть.
Объекты живут в мертвой природе двойной функции ванитов: эстетические, потому что они показывают красоту мира и морализируют, потому что они показывают тщеславие, ничто и прохождение. Прекрасные короны и бутоны цветов кажутся окрашенными из модели. Между тем, по словам ботаников, виды в одной вазе никогда не расцвели в одно и то же время. Таким образом, представленная реальность является компиляцией для более высоких целей. Более красивым является образ натюрморта, более глубокий, более подвижный глаз и сердце напоминания ванитов - тщеславие и скоротечность физического мира.
С середины XVII века, как отдельный жанр живописи, выделился цветочный натюрморт. Это наиболее понятное повествование простым мамушкам и тетушкам. Букеты в керамических вазах, ветви сухих деревьев с вкраплением свежесобранных растений и фруктов покупались для украшения столовых и холлов. Цветочный натюрморт культивировался в веках и продолжал радовать как простаков, так и специалистов в мировой живописи. Поздний период живописи Рококо и Неоклассицизма был встречен работами Хайженса, Фантина-Лаура, ван Дила, Кашу. Особое внимание мастера уделяли розам. Они имели разную интерпретацию - пышные, написанные единым пятном, мазками с четким разделением слоев тончайших лепестков, в бутонах с прозрачным свечением (Е.А. Кашу «Натюрморт с розами, вишнями и виноградом», Я.Ф. ван Дил «Натюрморт из роз в стеклянной вазе», Я. Фантин-Лаур «Букет из роз и настурций» и др.).
В голландском натюрморт символическая функция также функционирует в цвете. Художники Гарлема с Клодом Хедой Питером Клэсом в голове нарисовали объекты в монохромном цветовом диапазоне. Сгустки желчи, бронзы и оливкового зеленого были смоделированы серым цветом. И серый цвет - самый метафизический цвет для медитации на конечные вещи. Иссекающий мягко рассеянный свет акцентировал формы и цвета предметов, извлекал их из тьмы, из ничего. Его вспышки на стеклянных и серебряных сосудах усилили глубину композиции.
В других случаях интенсивный яркий луч освещал поверхности объектов. Этот внутренний свет изображения, исходящего из неизвестного источника, также имел метафизическое измерение. Композиции Франсиско де Зурбараны изображают прозаические сосуды, корзины с фруктами, показанные из профиля, на одной линии зрения, установленной в одном ряду. Их называли мистическими, потому что они несли настроение меланхолии, ограничения и сверхъестественности. Это аскетическое белье, сырое, молчаливое. Общие объекты размещаются на черном фоне, как абсолютное окно.
Надо отметить, что цветочная тема присутствовала не только в постановочных работах художников. Так или иначе, мозаика растительности использовалась в тематических сюжетах бытового жанра и украшала портреты незнакомцев, вплеталась в общую картину, создавала особую уютную атмосферу («Роза из роз» - сэра Лоуренса, «Джулия среди роз» и «Даниэль и Мадлен на террасе» - Д.Р. Найта). Стилизованные и настоящие цветы и прутики, травинки и пышные цветущие кустарники стали отличной манипуляцией вниманием зрителя и простушек, вроде домохозяек и бабушек. Кто, если не эти дамы могли уговорить своих покровителей в приобретении садовых пейзажей в масле, личных палисадников на холсте и цветочных зарослей.
В этих работах можно почувствовать атмосферу эпохи. Настроение разочарования, лишения иллюзий, называемое испанским десенганом, было результатом противоречий между имперскими амбициями и суровостью повседневности, чувством гордости гражданина королевства и прозаической бедности.
Поэтому убегайте в мистицизм или мир фантазий, где Дон Кихот идет к Сервантесу. Натюрморт был не так популярен в Италии, как на Севере. Итальянец Эваристо Башенис из Бергамо представил композиции с музыкальными инструментами, разложенными над столом, тщательно убранными нотами и предметами повседневного использования. Красивые лирические картины с математической точностью создают иллюзию реальности. Музыкальные инструменты представляют собой чувство слуха, а также аллегорию гармонии - неизменный мировой порядок.
В первой половине XIX века натюрморт писался в той же технике и с теми же приемами, что и Нидерландский, но вторая половина века предлагает работы с ярко выраженным акцентом на обобщение и цветовые пятна, нежели на прорисовку бликов ягод и тычинок («Розы и васильки» Фантина-Лаура, «Розы на фоне синего занавеса» и «Букет Хризантем» Огюста).
Идеи в стиле барокко были оживлены сюрреалистами. Джорджо де Кирико создал в своей работе метафизическую тревогу, которая исходит из неожиданно неожиданной перспективы, которая создает впечатление бесконечности, освещенной резким светом. Объекты, размещенные в этом своеобразном пейзаже, безличны, отделены от их функций реквизитами: манекены, античные статуи, геометрические инструменты, перчатки.
Сальвадор Дали уделял самое пристальное внимание неодушевленным предметам. В своей работе он пошел дальше, чем Чирико. Дали представил состояние его параноидального удара и перманентной галлюцинации к его картине. Он помещал натуралистически представленные вещи в самое непредсказуемое окружение. Часто это был бесконечный ландшафт пустыни, освещенный светом, исходящим из другого Источника, чем тот, который моделировал объекты, расположенные на фоне.
Наряду с цветочным мирно сосуществовал ученый натюрморт с символичным изображения библейских атрибутов и символов. Он часто имел иной символичный подтекст и аллегоричный характер. Одним из основоположников такого направления стал Хармен ван Стейнвек с «его» черепами - символами неизбежности смерти, цепями и чернильницами, смятыми бумажными листками, книгами и курительными трубками. Здесь был безжизненный душный фон, приглушенный свет, скорее туман или задымленность, и гнетущая тишина натюрморта.
Выставка работ четырех художников пытается представить, как современные художники и художники создают метафизический предмет натюрморта. Это доказывает, что современное искусство не должно нарушать традицию, но может творчески черпать из нее. Вот почему он рассматривает прошлое как живой источник традиции. Это приносит с собой диалог, без которого немыслимо все, что имеет значение в искусстве.
Натюрморт травления травы в воде, написанный Кшиштофом Лахтари, в отличие от картин бывших мастеров, все еще находится в одиноком ландшафте. Композиции состоят из нескольких планов. На первом появляются прозаические предметы, такие как стол, ящик для фруктов, кувшин, кофейник, книга, подсвечник. Однако самым важным мотивом этой мертвой природы являются сухофрукты или цветы; Раковины оболочек скудны. Фон наполнен тонкими, причудливо гравированными изображениями природы с сетью филиалов голых деревьев, травинок, «ковер» Луговые цветов, трещины земли и одиночные камни.
Начиная с Классицизма, натюрморт стал самым популярным жанром. Он присутствовал в знатных домах и музеях, а ныне в качестве репродукций в интерьере обывателей. XIX век еще смаковал эту тематику в полотнах Винсента Ван Гога. Вспоминаются «Подсолнухи в вазе» и «Олеандры» в охровых и желтых красках с наивным повествованием. Достоинство постановочных картин заключено в их простоте и понятности, уюте и по-домашнему приветливом настроении. Тихая, неподвижная жизнь натюрморта, к сожалению все реже встречается в живописи XXI века, уступая место индустриальному жанру.
Художник меняет сезоны сезонов в монохромных тонах серого, сепия, зеленый, иногда оживляемый синими или красными пятнами. Чаще всего это создает ностальгическое настроение осени. Работа Кшиштофа Лестерри имеет экзистенциальное измерение. Проходя, он показывает вечный цикл рождения и смерти. Автор ссылается на старых мастеров, доказывающих, что так же, как природа также играет элемент неизменности.
Оба являются неизбежными законами, которые содержат тайну существования. Это точно секрет художника-художника Ржешова. Его автор записывает трансформацию природы, показывает неизбежное время прохождения, ожидания, но также - возрождение. Я сосредоточен на натюрморт, очарованный тишиной и безошибочностью объектов. Видимый мир, существенность скрывает много для меня больше, чем метафизики идеализма и абстракции - Укас Хакулак писал о его натюрмортов цикла, который начал писать, еще будучи студентом.
Картина натюрморт, холст, масло, копия, размер 100х80см. 2016г.
Недавно завершил одну, на мой взгляд, интересную работу - картина на заказ, натюрморт с цветами. Заказчик после завершения росписей на стенах в квартире, попросил меня написать картину, а точнее попробовать сделать копию с натюрморта, который она часто рассматривает в музее. Это копия нижней части большой картины, оригинал которой находится в музее Изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. "Приношение флоре" художник Жан Франсуа ван Даль, размер натюрморта 197х148см. Конечно, до оригинала мне очень далеко, но интересна была сама задача, сам процесс работы над картиной.
Трудно для более скромных средств выражения: на столе стоят кувшин, бутылка, ваза или баночка, сахарная чаша или два яблока. Типичная тема академических шедевров в картинах из Жешува превращается в расовую живопись. Номера оформлены в Серых, охры, коричневые с акцентами белого, синего и розового цвета становится изучение света и тени, широко растянутый между ослепительно белой и черной бездной. Объекты рисуются резко или в сумерках, как будто в тумане размываются их контуры. Сосредоточенные бок о бок образуют компактную группу или расположены отдельно на всей плоскости стола.
Деталь натюрморта - розы. Для масштаба на фото спичка.
Признаться честно, сам редко бываю в музее, но всегда останавливался возле этой работы Стоял и старался рассмотреть каждый цветок этого большого натюрморта, чтобы понять как художник его написал, сколько слоев, какие этапы, тени, свет, лессировки...И чем больше всматриваешься в эту работу, тем больше понимаешь, что это нереально так нарисовать. Голова идет кругом и чувствуешь себя полным бездарем с уровнем рисования детской школы. Опять опускаешь голову, всматриваешься и, вроде, все понятно - один мазок, вот другой, линия и все просто, но отходишь от натюрморта и эти сотни цветов и тысячи линий собираются в один живой букет.
Пустое пространство перемещает объекты, перенося их в другое измерение - вне повседневной реальности. Его безжизненная, нереальная природа, извлеченная из сумерек светом, исходящим из неизвестного источника, приобретает магический характер. Удивительное настроение этих изображений усиливает нереалистичную перспективу пустой таблицы. Представление объекта становится предлогом, чтобы показать более глубокий, метафизический порядок мира. «Ванитас» Люка Гуцулака - это абсолютный синтез натюрморта как по форме, так и по содержанию.
Композиция очень проста: столешница покрыта скатертью со сферической тенью на ней и черным фоном, как бездна. Всемирно признанный шар считается аллегорией Земли, образ универсума и совершенства. В то же время он символизирует судьбу, мобильность и трансцендентность мира.
Натюрморт цветы
Часть картины - пионы, розы...
Но совсем иначе всю сложность подобной работы начинаешь понимать после того, как сам пробуешь частично пройти этот путь с помощью копирования картины. При изучении работы для тебя открываются в этом натюрморте множество подводных камней, на которые начинаешь иначе смотреть - это грунт как основа, красочные слои, сам материал и свойства красок, разное время высыхания, разная прозрачность красок, сотни кистей и главное время).
Взялся я за этот заказ не раздумывая, так как этот натюрморт с цветами был для меня очень сложной задачей, но тем и интереснее... И с первой розочки я понял, что время теперь будет идти немного иначе.
Жизнь, из которой было подготовлено время, стала пространством - мертвой природой. Живопись - это область пространства, изображение - мертвый характер, независимо от условностей представления. Само изображение является неподвижным объектом, а также обездвиживает другие объекты - те, которые его представляют. Жизнь на картинке становится предметом. Поскольку «каждое пространство ограничено, каждое ограничение пространства становится объектом», объясняет Лукаш Хукулак, описывая порядок мира, который он представляет себе.
Художник не ищет эстетической красоты. Синтетический и выразительный натюрморт делает его нереальным. Он относится к другой «высшей» реальности. Оба эти мотивы: пейзаж и натюрморт одинаково отталкивающие, угрожающие, дикие, таинственные - и настолько возвышенные.
Интересно наблюдать за посетителями в музее, которые проходя мимо натюрморта и других подобных шедевров лишь на несколько секунд задерживаются у картины, чтобы прочитать имя художника на табличке...Знали бы они какой мир скрывается между слоем лака и холстом. Наверное, это нормально. В современном мире мы так же относимся ко многим вещам вокруг нас, не являясь специалистами и не понимая процесс и этапы их создания.
Мне не нравятся современные витрины магазинов: их большие пустые пространства, - говорит Рышард Крыньски. Вот почему он рисует старые деревянные жалюзи с жалюзи и пожелтевшие книги или куклы, играющие в кукольные театральные сцены. В этих композициях есть ностальгия, потому что «железо начала века имеет души, буквально и образно», - говорит художник, автор мертвой природы, в которой он ссылается на прошлое.
Ришард Крыньски не рисует живые цветы. Вместо этого они представляют собой сухие, почерневшие мозоли, мотыльки или розовые бутоны, которые никогда не будут расти. Для художников, более важных, чем цветы, становятся объектами. Они могут видеть эффекты времени: старые бутылки со старомодными этикетками, сломанный медный чайник, изношенную консервную банку с большими пятнами, горшок с ржавым, оборванным краем или рыбу, в которой были посажены иронически белые маргаритки.
Что сказать о самом процессе.
Сложно было...До этого редко картины писал, часто "проходные " вещи...но натюрморт всегда нравился как жанр и особенно привлекала техника голландских натюрмортов - фрукты, цветы. Часто рассматриваю фотографии, альбомы ищу ответы. При копировании поначалу несколько раз пытаешься написать тот или другой бутон из десятка цветов в букете, но в итоге выходит все не то...Нет такой же прозрачности лепестков, бутоны роз не светятся, то что должно быть легкое, воздушное,и в то же время иметь свой насыщенный цвет, получается жухлое и тяжелое...
Прохождение времени также не пощадил стул, чья кожа назад превратилась в паутину. Из открытого ящика потертого сундука выглядят мертвые куклы. Любимым объектом художника является глобус. Иногда это синий, как глобус, рассматриваемый из космоса. На другой композиции его преследуют зазубренные бумажные подкладки и темные дыры, случайно образующиеся в форме континентов. Затем Глобус берет на себя роль миниатюрной карикатуры на наш мир. Художник стремится воссоздать мотивы музыкальных инструментов: треснутая гитара, которая больше не звучит, виолончели с рваными струнами или избитыми трубами.
Деталь натюрморта. Корзина с цветами
И в итоге после десятков экспериментов потихоньку начинаешь понимать и приближаться к технике написания и уже про себя думаешь "вот оно, получается...я понял как это делается...". Но спустя время, со свежим взглядом сравниваешь свои цветы с фотографией натюрморта в оригинале и понимаешь, что "нет" - это не то и не так. Понимаю, что впереди предстоит еще не один десяток таких букетов и тонны терпения, и только после, возможно, получится приблизиться к той технике и легкости письма, которыми владели мастера прошлых веков.
Да, рисовал я, конечно, с фотографий, которые попытался сделать сам в музее без штатива, так как даже примерной репродукции я не нашел ни в каталогах, ни в интернете. Хотя на сайте музея есть очень контрастное фото работы, но в оригинале она иная по цвету и тону.
Конечно, после копий надо пытаться пробовать составлять свои композиции и развивать технику, возможно, со временем что-то получится, главное был бы интерес.
Художник Судаков Сергей
И да, хотелось еще заметить, что подобные работы, как заказ, именно со знанием темы от заказчика, очень редки. Так же хотел сказать спасибо, тем кто с пониманием относятся к затянувшимся срокам...
